Ihr Leitfaden zur südkalifornischen Kunstszene dieses Sommers

In diesem Sommer sehen wir in der Kunstszene Südkaliforniens einen Schwerpunkt sowohl auf der Förderung einheimischer Talente als auch auf der Kontextualisierung der Arbeit internationaler Künstler im Zeitgeist. In allen Museen und Galerien liegt der Schwerpunkt auf der Neubetrachtung übersehener oder abgeflachter Erzählungen zugunsten pluraler Geschichten und Perspektiven. Mit Glassplittern eines Ford-F150 verzierte Kappen, überlebensgroße Piñatas in Form von Lowridern und Skulpturen aus Fundstücken – das sind nur einige der Werke, die diesen Sommer zu sehen sind.

Mit freundlicher Genehmigung von SEA VIEW, Los Angeles und Almeida & Dale, Sao Paolo.

Zu sehen bei Sea View in Los Angeles, Kalifornien bis zum 12. August 2023.

Hélio Melo und Alison Saar nutzen die Verbindungen zwischen den Künstlern und nicht ihre geografischen und gesellschaftspolitischen Unterschiede. Der verstorbene brasilianische Autodidakt Hélio Melo wuchs im Amazonasgebiet auf und arbeitete als Kautschukzapfer. Seine Zeichnungen und Gemälde erinnern an Tiere und Ahnenfabeln, um die gewaltsamen sozialen und ökologischen Veränderungen in der Region unter der brasilianischen Diktatur zu veranschaulichen. Inzwischen ist Alison Saars skulpturales Werk dafür bekannt, weibliche Archetypen und Mythologien einzubeziehen, um die Schnittstelle zwischen Schwarzheit und Weiblichkeit in Amerika zu vermitteln. In dieser Paarung stehen Saars Skulpturenwerke von beeindruckender Größe im Mittelpunkt jeder der beiden Galerien, während Melos baumartige, mit Pflanzen gefärbte Gemälde in der Nähe stehen. Es ist eine intime Ausstellung, um über die Arbeit der Künstler nachzudenken, die Mythos und Realismus verbinden, um Gewalt und Konflikten entgegenzutreten – und sie vielleicht zu überwinden.

Celia Álvarez Muñoz, Petrocuatl, 1988. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

Zu sehen im Museum of Contemporary Art San Diego bis zum 13. August 2023.

Es ist immer ein feierlicher Moment, wenn bahnbrechende Künstler ihre erste Karriere-Retrospektive erhalten. Dies ist der Fall bei der konzeptuellen Multimedia-Künstlerin Celia Álvarez Muñoz. Diese Ausstellung, die einen Überblick über die Arbeit von vier Jahrzehnten gibt, zeigt über 35 Kunstwerke aus den Bereichen Fotografie, Installationen, Skulptur und Buchkunst. Insgesamt ist Muñoz‘ Gesamtwerk eine Untersuchung von Sprachfehlern, Assimilation und kultureller Erholung. Ihre Arbeit geschieht durch spielerische Interaktionen zwischen Bildern und Worten. In ihrer frühen Enlightenment-Reihe – einer Reihe von zehn in der Ausstellung enthaltenen Künstlerbüchern – spielt die Künstlerin mit Texten, Wortspielen und verschiedenen Doppeldeutigkeiten, die sie während ihrer Kindheit an der mexikanischen Grenze erlebt hat. Celia Álvarez Muñoz ist eine Künstlerin, die mit Zärtlichkeit, Humor und Einfallsreichtum großzügig zulässt, dass sich Bedeutung vervielfacht und Grenzen auflöst.

Rosana Paulino, The Permanence of Structures, 2017, Digitaldruck auf geschnittenem und genähtem Stoff, Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand – MASP.

Zu sehen im Los Angeles County Museum of Art bis zum 10. September 2023.

Afro-Atlantic Histories zeichnet den transatlantischen Sklavenhandel und seine Hinterlassenschaften in der afrikanischen Diaspora auf. Die Ausstellung zeigt Arbeiten, die ab dem 17. Jahrhundert in Afrika, Europa und Amerika entstanden sind, um eine globale Perspektive auf die Geschichten und Geschichten der Versklavung, der Widerstandsfähigkeit und des Kampfes um Befreiung zu präsentieren. Zusammengenommen veranschaulichen diese Werke eine Vielzahl von Perspektiven über Zeit und Geographie hinweg, die von historischen Gemälden des französischen Malers Eugène Delacroix bis hin zu zeitgenössischen Werken von Kerry James Marshall und Kara Walker reichen. Die Ausstellung wurde zunächst unter dem Titel „Historias Afro-Atlânticas“ im Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (MASP) und im Instituto Tomie Ohtake in Brasilien präsentiert und zeigt vor allem Werke brasilianischer Künstler wie Paulo Nazareth, Rosana Paulino und Sidney Amara arbeitet in den Bereichen Fotografie, Druckgrafik und Aquarell. Die US-Tournee hat für begrenzte Zeit endlich die Westküste des LACMA erreicht.

Graciela Iturbide, Rosario y su bebe, 1984. Silbergelatineabzug, Blatt: 20 x 24 Zoll, gerahmt: 22 x 30 Zoll. Fotografie von Yubo Dong / ofstudio. Mit freundlicher Genehmigung der Charlie James Gallery.

Zu sehen in der Charlie James Gallery in Los Angeles, Kalifornien. bis 2. September.

Ahorita! – „[Right Now!]“ – ist eine Gruppenausstellung, kuratiert vom LA-Künstler und Curandera [Heiler] Ever Velasquez. Es präsentiert die Arbeit von Frauen und nicht-binären Künstlern und macht auf einige der dringendsten Probleme aufmerksam, mit denen ihre Gemeinschaften konfrontiert sind. In der ersten Galerie ist ein 30 Fuß langes Textil zu sehen, das mit dem Rost einer Leiter bedruckt ist, mit der Tanya Aguiñiga über den Grenzzaun zwischen den USA und Mexiko geklettert war. In der Nähe stehen Veronica Gaonas „Migrantenmützen“, verziert mit zerbrochenem Fensterglas eines Ford F-150-Lastwagens. Die Ausstellung zeigt 44 Künstler, die in einem breiten Spektrum von Praktiken und mit unterschiedlichen Interpretationen von Kunstaktivismus arbeiten und Themen wie Zwangsmigration, reproduktive Rechte von Frauen und soziale Identitätskonstruktionen berühren. Während Velasquez hauptsächlich aktuelle Arbeiten von Künstlern wie Shizu Saldamando und Guadalupe Rosales zeigt, mischt er auch historischere Werke wie Graciela Iturbides East LA-Fotoserie und Arbeiten der Jahrhundertwende von Alison Saar mit ein.

Installationsansicht, Carmen Argote: Ich werde dich nicht verlassen, ich sehe dich, du bist in Sicherheit, Institut für zeitgenössische Kunst, Los Angeles. Foto: Jeff McLane/ICA LA

Bis zum 10. September im Institute of Contemporary Art Los Angeles zu sehen.

Carmen Argotes künstlerischer Prozess ist geprägt von der Verwendung von Fundstücken und Müll, den sie häufig auf ihren täglichen Spaziergängen einsammelt. Ihre neueste Ausstellung ist eine Fortsetzung dieses Ansatzes, indem sie Feigen, Kissen, Bananen und Urin zu meditativen Kunstwerken zusammenfügt. „Ich werde dich nicht im Stich lassen, ich sehe dich, wir sind in Sicherheit“ ist eine Reise zu einem tieferen Verständnis ihres inneren Selbst und aller Versionen einer Person, die gleichzeitig existieren können. Genauer gesagt handelt es sich bei der Show um eine Auseinandersetzung mit Macht, Kontrolle, generationsübergreifendem Trauma und Patriarchat über Generationen hinweg. Ihre Mutter-Serie betrachtet ihr „Kind“- und „Mutter“-Selbst in verschiedenen Zuständen der Unterwerfung, des Verlangens und der Unruhe, die auf Heilung warten. Die Ausstellung ist eine Art Wiederbemutterung und Wiedergeburt, da Argote zu ihrem inneren Kind spricht: „Ich werde dich nicht im Stich lassen, ich sehe dich, wir sind in Sicherheit.“

Justin Favela (geb. 1986), Gypsy Rose Piñata (II), 2022. Gefundene Objekte, Pappe, Styropor, Papier und Kleber, 60 x 210 x 78 Zoll. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der American Federation of Arts.

Bis zum 7. Januar im Cheech Marin Center in Riverside, Kalifornien zu sehen.

Xican–aox Body thematisiert den Körper als Werkzeug, um stereotype und marginalisierte Konstruktionen von Chicanx-Identitäten in Frage zu stellen. In den 125 Kunstwerken von fast 70 Künstlern ist der braune Körper unleserlich, transgressiv und resistent gegen reduktive Rhetorik. Es handelt sich um eine generationenübergreifende Künstlerkonstellation von den 1960er Jahren bis heute. Die Ausstellung und der begleitende Katalog, die einige der einflussreichsten Chicanx-Künstler unserer Zeit abdecken, werden in den kommenden Jahren einen bleibenden Eindruck davon hinterlassen, wie wir über Xicanx-Kunst denken. Sehen Sie sich vorerst James Lunas Fotografie neben Justin Favelas lebensgroßer Gypsy Rose Piñata (II) an.

Joanna García Cherán ist Kunsthistorikerin, Autorin und Kulturschaffende mit Leidenschaft für die Kunst unserer Zeit.